我们在“看”这个世界，是去感受和体会这个世界。在这个过程中会形成某些画面和片段。我们用相机记录下“看”的过程，其中这些片段就是我所理解的影像。你怎么看问题，怎么看世界，取决于拍摄者对周遭事物的认知和体会。
就我个人理解的商业服装拍摄，不论是风格技法、模特妆容，还是流行色彩，这些信息几乎每时每刻都在变化。脱离了服装单独去谈“服装摄影”这个命题是不成立的，也是片面的。
服装本身是有灵魂的。谈及于此，我认为每件服装都带着设计师自身对于外型、颜色和面料的一种综合考量，*终呈现出来的产品应该是既有一定视觉美感，又兼具人对服装基本功能的要求。山本耀司曾经说过：“当我手触布料，就会去感受它的轻重度、悬垂度或飘逸感来思考，touch（触摸）就是一切，它们自己会告诉你它们的愿望”这是服装语言的基本要素，就像一道好吃的菜，首要要求合适的食材基础。
Alan，商业服装摄影师
坐标杭州市，摄影从业六年
与摄影同作为视觉艺术的组成。摄影是光影的艺术，而服装本身也包含点线面各方面的运用，同属于视觉审美的重要部分，这点和摄影某些方面是有共通之处的。因此在拍摄之前，我们应该尽可能去沟通，感知并理解设计师对于服装整体的提炼，并结合自身对于时尚流行的认知，去策划及完成拍摄。
服装摄影，首先是一种商业行为。相信“怎样获得客户的欢迎，得到更多商业拍摄的机会”应该是很多摄影师关注和感兴趣的问题。就我个人理解来说，良好的推广和精湛的摄影技术缺一不可。
商业摄影师需要掌握的能力：
我觉得是两个字：“看”和“动。”
学习摄影是一个漫长的过程，抛开技术谈审美太过于空洞，抛开审美谈技术又会过于呆板，二者的关系是相辅相成的。有好的基础能更好地理解或分析**作品，有更高的审美能引导我们创作出更加灵动的瞬间。
现在是网络时代，信息爆炸充斥着每个人的眼球。我们平时除了要找一些**的摄影作品去观看，也可以从绘画、建筑、音乐等各方面吸取营养。也就是说除了去“看”，还要“动”，只有带着思考去拍摄，实践起来，才能真正拍出动人的瞬间。
一个**话题的展开+系列实例色（光）作为情绪的外化与主题的延展
我现在的工作除电商服装、品牌画册拍摄外，也会跟独立设计师合作拍摄一些创意片。我很享受在“玩”的过程中去拍摄，既满足了客户想要的画面，同时也会创作出富有个人色彩的视觉画面，并在两者间建立沟通和转化。
这里有一系列作品，可以说是在色（光）上展开的，我想给大家做一些详细的分析，希望能与同好分享其中的经验和乐趣。
时间线上的***组：
设计师的思路在于通过服装记录关于粉刺生长的过程：爆发、肆虐、愈合，其中“雄性激素”是重要元素。可以理解成一种青春的刺痛，个人的自恋和挣扎。
因此我在视觉呈现上采用了奇幻风格，借鉴欧美上世纪70-80年代的影像元素，特别是彩色灯光及大量反光材料的应用。
服装色彩很重，模特的感觉偏中性化，妆容很干净，极力营造了迷幻炫彩的环境，而色光则表现了情绪的外化。
现场严格控光，力求画面更显**、精致。对于色光环境来说，很重要的一点在于：整体配套，而绝非强加套路。冷暖对比也好，炫色多彩也好，都要看服装、主题、模特适不适合这种手法。
在房间中布置镜面毯（四墙及地面），营造变幻的反光效果。拍摄使用多只常亮灯，一只为人物补光，多只加红/蓝色片分局部渲染。
拍摄很考验现场控光能力，模特在动，镜面反射随着灯光角度不同而变化。需要精细的观察及过硬的预判。
人物表现顽皮、搞怪的状态，在原有光线环境下，增加彩色光点，进一步渲染整体气氛及深化主题。
这是房间里靠门的位置，与镜面毯拉开一点距离。用色光照射镜面毯之后，在墙壁上形成的变幻的反光渲染。同时用LED（白光）为人物补光。
同系列的另一场景
同样是在色彩上做文章，但着眼点不是光，而是色彩本身。
故意要达成靠色的效果，凸显服装细节及搭配。同时，环境本身是有结构的，用墙面线条去破开画面的高度统一感。使用现场自然光，场景上部为晴朗天光，用两个泡沫板为人物提亮暗部。
时间线上的第二组：
客户在看到之前那组照片后，很喜欢这种迷幻风的表现形式，因此我在原有场景环境中做了一些相应的调整，保留色彩氛围的同时，更加贴合服装和模特的气质，光型上更硬朗、更立体，视觉感更为突出。
服装灵感来源于70年代华丽摇滚音乐风格的杰出代表人物大卫鲍伊。服装体现了设计师追求发展自我个性时想要表达内心真实想法的心声：在时间的轮回中坚持自我，在迷幻中保持初心。
