学习摄影的人都有一个瓶颈的认识，学过几年后自己就很难进步了，***初的都是学而习之的材料性知识，大多都是人人学习的规范经验，众人都掌握的当然就没有创意，而这种泛泛也很难再突破，其实到了这个阶段，要突破大多不会再是摄影范畴内的知识，而是在于整个操作过程的不同，不同的操作步骤而带来不同的操作结果。
首先说说，摄影的“道”和“术”。道——规律，本质也；术——具体方法。我们在实际拍摄中题材、场景、光影、透视、构图、对比、色彩等等变量因素太多，常常用一时掌握的方法无法套用和发挥，摄影中每一个画幅都是不同的，学了再多的方法也很难实际贯彻，这时候需要用一个规律化的概念（拍摄思维）指导自己，这个概念就是“区别常态”，重视背景而不单单看重主体，机位、角度就会使画面中的物体形成关联性；
注重光线产生的阴影而不是看中被照亮的地方，就是发现常人忽视的形状构成；敏锐的发现人物肢体语言的特征；了解色彩给人的心理感受；清楚什么是对比、什么是平衡、什么是节奏、什么是韵律........虽然很多还是学而习之就会的技术手段，但这时你的摄影已经融入的你的思维方式，自然就会大大的提高。只有上述规律化的总结，才有可能在按快门的那一刹那完成。
常接触摄影圈的就会发现一个现象：有些玩了20-30年的摄影的人，很难进步，当下拍的片子还不如多年以前；而有一些只是从数码时代，才开始玩起了摄影的人，进步日新月异，甚至作品短期内就有着众多的追随者和号召力，现在这样的牛人有很多，通常我们习惯性解释为这是个体的“悟性”。
有时我会好奇的考究一下这些人的背景，发现他们都有个很相同的方面，就是这些人，大多从事过美术相关的学习或工作经历。但如果你认为，这些所谓悟性高的人，是因为有着美术的美学概念和构图能力，而影响了他们。
我要说：“你错了！”
所谓的美学概念和构图能力都是学而习之就会，很容易掌握的。而问题的关键是在“行为”上，只有自己参与过美术创作的才能体会，一幅貌似寻常的画，所花费的时间和精力，是没有从事过绘画的人无法体会的。 用一幅2开大小的铅笔静物素描来说，完全画完，基本需要2天的时间。
如果是油画也许就是几周了，绘画人这样的行为模式，决定了绘画者和不画画的人对待画面时，两者完全本质性不同的认知态度，这才是差别的关键！ 总结一下：就是对待画面，投入的精力点数的价值认识不同。 通俗一点的说，绘画者对于画面效果的实现，有一种不嫌麻烦的认识。 只是通过学习技法，而没有掌握摄影思维，磨练出行为体验的，是很难凸显特别能力的。
摄影恰恰又是个投机性的创作类型，形象的讲，就是一只猴子偶然的按了一下快门也许会拍出一张大师级的作品，而习惯常常在钢琴键上溜达的猫，却永远弹奏不出贝多芬的曲调。这就是摄影的特质，众多喜爱摄影又很难提高的人，迷失在这样的投机性之中。
© 歪猫
“知”与“行”经验和经历的贯彻，是作用于潜意识层面，是无意识形成的习惯性，有时你说不出道不明，但却在冥冥中发挥着惯性作用，而这惯性必然要用行为去体验。 如此来看，摄影的提高能力，学不学美术不是关键，关键是正确认识“知行合一”形成的习惯性作用——不嫌麻烦的态度才是关键。而不嫌麻烦不单是行为举止方面的同时也是思维意识方面的。
拍摄时，重视背景而不单单强调主体；侧重机位、角度的变量就会使画面中的物体形成关联性；注重光线产生的阴影而不是看中被照亮的地方，就会发现常人忽视的形状构成；清楚什么是对比、什么是平衡、什么是节奏、什么是韵律、什么又是向量，敏锐的发现人物肢体语言的心理特征；了解色彩给人的心理感受.....虽然很多还是技术性手段，但这时你的摄影已经融入的你的思维结构，作品自然就会有提高。有了上述前期整体思维的把控，才有可能在按快门的那一刹那，贯通的完成突破。
