每个人都有相机，是什么区别了一个摄影师和一名摄影爱好者？
首先，我不是一位摄影师，到不是因为艺术家和摄影师的称呼哪个更重要。摄影师通常意味者随时随刻在不断拍摄的思维中度过，而我不是。爱好者在于他们的思维中有一种约定俗成的惯性思维，
他们习惯于一种教条的所谓“有意义的审美趣味之中”，他们与艺术家的本质区别在于，艺术家具有叛逆思维以及个人独特的视角。爱好者淹没于芸芸众生的墨守成规之中。不敢越雷池半步。在人们的惯性思维里，镜头只能是对准被证明是“有意义”的，就像无数名胜风景的某一个位置，被认为是留影的最佳角度。在国内，人们对摄影艺术的理解很大一部分停留在“黑白纪实”功能，或者是相机发烧友级别的拍花拍鸟甚至航拍大片，以这类“沙龙照”的逻辑来说，摄影便局限在谁的相机好、谁旅游的地方难度大、谁守株待兔的时间多…等等的被动境界。而我，恰恰相反。我拍摄的东西要不就是在我家楼下，要不就是在工作室里。山石系列里的大石头，是我先构思好以后才去终南山拍的。“观念”在我的创作中，是首要的。对我来说，没有明确的观念，无法成为作品。这个概念，与西方的“当代摄影”（又称“观念摄影”）不谋而合。
打破自身的媒介局限性
人们通常如何理解你的作品？
2013年5月在北京三影堂摄影艺术中心刚结束的“封岩当代摄影个展”我个人认为很成功，比较全面的展示了我不同时期的作品。三影堂摄影艺术中心作为一个国际专业的摄影艺术机构，有质量优秀的观众，一些比较重要的藏家、机构、策展人和媒体也与我们建立了实质的互动。
我的作品，在现在来说，让人们接受，变得比较不是那么困难。我2005年第一个个展《秩序》系列在翰墨画廊展出的时候，有人形容我的作品像“废片”，像是一盒胶卷里被淘汰不要的，所谓“没有意义”的图像，我将这样的评价视为“好评”。当时能读懂我作品的人不算多，甚至一些艺术界的专业人士也会把我误读为仅是一种“审美情趣”。一直到今天，听说仍然有大部分中国摄影协会那类的成员提起我来就很诟病。艾未未当时看了我的作品小样后，没有任何前提的为我写了一篇文章题为“言之无物”，他理解到我的创作理念——就是明确的打破人们对摄影的惯性思维。当然这也是“摄影”跨入到“当代艺术”领域中很重要的一个理解过程。打破自身的媒介局限性。
车轮红毯 Tire and Red Carpet 87x130cm 2006年
你过去是电影学院电影摄影的，并且你有七年时间专注于小说创作。为什么会进入当代艺术的摄影这一块？能否简单谈一下你的创作历程？
我毕业于电影学院，热爱电影，对电影仍然有所向往，但我和影视圈一直都保持有距离。在学校的时候我几乎一本书都没读过，对技术也缺乏兴趣，唯一就是看了很多电影。后来我去美国在纽约住在东村的5街，离电影文献馆很近，几乎每天都去看各国各个年代的电影。我判断一部电影好坏的标准，取决于它是否具备独特节奏，比如法斯宾德、梅尔维尔、萨耶雷还有胡金铨等等，都具备独特的节奏。其中，胡金铨不仅开创了武侠片，还形成了自己的美学观。他是我目前认为最好的华人导演，他的作品语言也启发了我的山石系列。三影堂摄影艺术中心展览中，有一块很大的山石作品是我在终南山拍的。我小时候老去那儿玩，终南山有中国最多的隐士聚集，也是道教**，那儿有种不一样的气场，像是胡金铨电影里边那种气象万千的感觉。
2001年我从美国回来后，一直在写。我大概有七年在创作小说。我用了三年的时间完成了两部长篇小说。回国后我在农展馆后面的农业部宿舍生活了很多年，那里特别幽静，全是苏式建筑，还有湖泊和茂密的树林。我很享受那段过程。因为写作需要专注力，思绪要敏捷
、用词要准确，这也对我后来摄影创作起到了影响。我作品的名字通常就是一个名词，非常简单，比如黑皮椅或者木箱子，或者是车轮或者叫警察。就要它叫最直接的名字，不要带任何形容的附加色彩，我的小说也是如此，很克制。理性。像生活的流水账、账单。
书柜 Shelf 100x148cm 2010年
2004年结束两部长篇小说的创作，精疲力尽，需要换一种表达方式，延续我的小说创作，唯有摄影是我能立即拿起并延续的利器。我认为摄影对我来说，是必然，也是我小说的延续，比如“纪念碑”的视觉画面其实最早起源于我的文字作品"座椅反弹的声响"｡
